Ainda estou aqui é um poderoso exercício de direção. Este é um trabalho que se vale do passado como instrumento de preservação da memória de um dos momentos políticos mais sombrios do Brasil, a Ditadura Militar. No caso desta nova obra do cineasta Walter Salles (Central do Brasil), o público se depara com a família do escritor Marcelo Rubens Paiva, quando o autor ainda era criança – o longa-metragem é uma adaptação da obra homônima de Paiva –, quando seus pais são levados para depor pelos militares, porém seu pai, Rubens Paiva (Selton Mello), jamais retorna.
Neste cenário, encontramos padrões canônicos de produções audiovisuais sobre este período. O encontro das temperaturas esverdeadas – que remetem a limo, sujeira, tortura, ausência, melancolia etc. – com o amarelo, marrom e o vermelho terroso – que são usados nos momentos solares, mas também para evocar tensão, assombramento e/ou aterramento – é um deles. A sobriedade das interpretações, que funcionam em uma progressão contida, com pequenas ou maiores explosões emocionais – vindas dos momentos de prisão, tortura e/ou injustiça – também.
Se esta é uma produção que segue um padrão visual e discursivo, o que há então de tão especial em Ainda estou aqui? O que há nela para além de sua linguagem visual e escolha de construção argumentativa, que dá um check em pontos que agradam a crítica e a os festivais gringos – justamente por se manter neste visual sóbrio, para contar uma história forte, algo que funciona muito em narrativas do e para o Norte globlal. O que salta os olhos aqui – ou melhor, que atinge o coração – é a figura de Eunice Paiva (Fernanda Torres). O Brasil de 2024 (ou parte dele), que se recupera ainda do Golpe de 2016, compreende e se apega à Eunice, de alguma maneira.
Ainda que a sua dor seja inenarrável e somente quem viveu algo semelhante consiga saber, infelizmente, o que ela sentiu, o seu desejo de proteger a sua família e o seu choque com os atos impunes dos milicos avassalam a alma de quem acompanha a sessão de Ainda estou aqui. A construção da trama, o clímax e o início de seu desenlace garantem a qualidade alta do longa-metragem.
Primeiramente, o espectador entra na vida íntima da família Paiva. Novamente, o uso dos tons abertos colabora para que a impressão de dia de verão se alongue e preencha a plateia com a impressão de que ali existe um grupo feliz, coeso e unido. Ao mesmo tempo, a câmera de Salles se movimenta “feliz” e mais leve até a metade da projeção, antes dos atos trágicos se iniciarem.
https://youtu.be/PYnMAObH8NY
Planos mais abertos, que contam com os filhos de Eunice brincando na praia, de Rubens e Eunice jogando gamão ou das festas da família, cheias de amigos, reforçam a ambientação de harmonia e mergulham a espectatorialidade neste universo ficcional, da zona do Rio de Janeiro, da década de 1979. Assim, em travellings e panorâmicas, o espectador é invadido por essa dinâmica de classe média alta, intelectualizada, brasileira e alegre. Salles ainda insere imagens da filmadora Kodak antiga, da personagem Heloísa, filha de Eunice.
No entanto, é importante ressaltar que a instalação de tensão e tom trágico - no sentido dramatúrgico - não é repentino. As tensões são postas gradativamente e, apesar do clima ameno da casa dos Paiva existir, a presença dos militares, seus esquemas e truculências aparecem desde o começo do longa, bem como a noção das personagens do que está acontecendo em solos brasileiros. Há, neste sentido, um cuidado da equipe, incluindo da direção, em imprimir o olhar da protagonista diante da sua realidade e a do país.
Esta dicotomia entre o mundo dos Paiva e o dos anos de chumbo fomenta a complexidade da trama. Por isso, mesmo que Ainda estou aqui conte com recursos visuais e discursivos bastante esperados, por seu tema, elenco e direção envolvidos, e seu próprio espaço ocupado dentro do mercado cinematográfico, existe uma sensibilidade para com a família Paiva, um cuidado com a manutenção da consciência política e da história do país e um conhecimento técnico de dramaturgia e audiovisual, que tornam o resultado geral positivo.
A própria noção de Fernanda Torres de concepção de papel trágico quase grego, no qual a heroína se esgarça e perde sua serenidade gradativamente, enquanto busca justiça está aqui. É uma obra feita por conhecedores de seus ofícios, que através do entendimento e estudo de tecnicidades artísticas, procuram ativar o emocional de quem acompanha a caminhada de Eunice. Sim, mas também há um pequeno escape de intencionalidades, que afeta um tanto de toda essa qualidade dos aspectos formais.
O enredo conta com três desfechos da história. Os 25 anos depois de quando Eunice e sua família saem do Rio de Janeiro, 2014 e uma cartela final, que informa dados sobre a vida e morte da protagonista. Por esta razão, a força do encerramento da trajetória da figura central se esvai. Dificilmente, Walter cortaria uma sequência gravada com Fernanda Montenegro atuando, porém não há nas cenas dos Paiva em 2014 nada a não ser reiteração do que já foi contado e a perda da coesão da estética visual, elaborada durante toda a exibição.
São detalhes que incomodam, mas o importante é a continuidade de um cinema que expõe o passado de um país que insiste em esquecer de seus próprios erros e crimes. É também um material que dialoga com o mundo e que coloca o Brasil no páreo de premiações, por conta de seu valor de produção e consciência de mercado. Não é um filmaço, porém um bom filme.
*Este material não reflete, necessariamente, a opinião do Aratu On.

Primeira novela brasileira da Netflix, Pedaço de Mim, é uma aula de roteiro, atuação e direção dentro deste formato. É comum, principalmente, dentro de análises da crítica tradicional, ler que uma produção audiovisual mal feita é “televisiva” ou que “parece novela”. Mas, alto lá!!! A TV é um espaço de criação de linguagem como qualquer outro produto midiático. É dentro desta lógica que as obras devem ser avaliadas. Pensando nisso, nesta dinâmica de comparar produções apenas entre si, é que é possível dizer que a criadora deste folhetim, Angela Chaves, brilhou em seu trabalho.

Isto porque a autora reuniu diversas premissas que são encontradas por noveleiros em múltiplas tramas da teledramaturgia nacional e mundial: perda de memória, conflito com paternidade, segredos que apenas serão revelados nos últimos capítulos, acidentes, gêmeos, crimes, entre outros. É uma miscelânia tão grande de peripécias, que o resultado poderia ser vergonhoso. No entanto, Chaves cria uma história coesa, na qual cada acontecimento conecta e impulsiona o próximo.

De certo, existem alguns exageros, como é o caso da amnésia de Marcos, filho da protagonista. Contudo, o trabalho da direção e do elenco suavizam muito das intensidades do enredo. A começar pelas seleções de enquadramento. É uma marca clássica das telenovelas o uso do close para reforçar as emoções das personagens, impactando de maneira intensa – porém, óbvia – o espectador. No entanto, aqui, os encaminhamentos narrativos cheios de quiprocó são suavizados com planos mais gerais, movimentos suaves de e até mesmo alguns efeitos de câmera também.

A fotografia e a equipe de arte conversam entre si, ampliando os sentidos dos diálogos. As temperaturas de dentro da casa do Rio de Janeiro de Liana e Tomaz Rosenthal são azuladas, porque ali é, majoritariamente, um lugar seguro para a família dos Rosenthal. Diferentemente do lar da capital, na serra, os tons ficam entre marrom e laranja, sempre indo de aterramento – quando Tomaz não está – ao perigo e tensão, quando o rapaz se encontra. O azul e o terroso se encontram com o vermelho e preenchem os figurinos, representando, principalmente, as personas masculinas que rondam Liana.

Assim, a camisa do time de futebol dos garotos Marcos e Mateus possuem azul e vermelho, que podem ser lidas como as presenças de Tomaz e Oscar na vida dos meninos. Já em termos de iluminação, os sombreamentos e as luzes chapadas também entregam respostas para o público atento. Oscar representa perigo iminente e Liana é a mocinha quase indefesa. Por isso, eles contam com menos sombras que Tomaz, por exemplo, que está sempre transitando entre bem e mal, até tomar sua decisão certeira (sem spoilers tão grandes por aqui!).

São nesses detalhes que a produção se engrandece e consegue equalizar seus tons melodramáticos. Para completar essa afinação, o elenco principal segura bastante os diálogos que beiram ao absurdo – mas, divertem ou criam as sensações necessárias (vamos chegar lá) –, como gravidez heteroparental, que talvez soasse falso na voz de outros intérpretes. Neste sentido, existem três artistas que se destacam: Paloma Duarte, Juliana Paes e Vladimir Brichta. O trio cria camadas em seus papéis, que vêm da composição de movimentos, contenções musculares, olhares e trabalho de voz.

Qualquer uma destas figuras poderiam ter ficado quase planas, caso não houvesse o cuidado de Paloma, Juliana e Vladimir em convocar expressões faciais e vocais que aprimorassem as dualidades de suas personagens. Mas, talvez, se o leitor resistiu e chegou até esta parte da crítica, esteja se perguntando sobre as questões sociais da novela. Por exemplo, como Liana pode ter sido tão questionada de sua palavra, quando estava nítido que ela foi abusada. Para além do fato de que a versão da mulher ser dúvida ainda em 2024, a história começa inteligentemente em 2006.

A consciência temporal de Angela Chaves é crucial para o desenvolvimento do conflito central. As transformações das discussões dentro da sociedade nos últimos 18 anos modificaram vidas e esse é um importante recado que a obra traz. Não que precisasse, mas está tudo ali, colocado no roteiro da novela, que mistura de maneira cuidadosa o olhar da tecnicidade com o do discurso. Contudo, se, ainda assim, a plateia não tiver se convencido da qualidade do resultado geral de Pedaço de mim, basta pensar no que ela causa sensorialmente.

A produção faz com que quem assiste se sinta mobilizado, grite com a televisão, lembre-se como era ver TV antes do streaming, inclusive. (E, aqui, retornamos para os diálogos). As falas, suavizadas pelo elenco, são tipicamente melodramática e jogam com culpa, mistério e absolvição. O melodrama clássico precisa da jovem injustiçada, que silencia a verdade em nome do bem maior. Está na história da ficção esta fórmula, seja em livros, filmes, na TV etc. E funciona, porque move quem assiste, cria empatia e descontentamento.

Ao mesmo tempo, cria um gancho de espera, que faz com que o consumidor permaneça conectado com aquela produção, até o seu final, mesmo que não goste. Assim, Pedaço de mim cumpre todos os requisitos para um folhetim de sucesso: elenco famoso, história mirabolante, mocinha, vilões, coadjuvantes irritantes etc. Mas, tudo isso com roupagem contemporânea, com discussões atuais e urgentes. É por esta razão que Pedaço de mim é bem sucedida e tão vista mundialmente. Ela é o melhor dos mundos, são os anos 1980/1990 encontrando 2024!

*Este material não reflete, necessariamente, a opinião do Aratu On

Criada por Lee Sung Jin (Girlboss), Treta é um hit das premiações estadunidenses, vencendo diversos troféus em eventos como Critic 's Choice Awards, Emmy e Globo de Ouro. O reconhecimento através dos prêmios pode gerar uma curiosidade no público, que gosta de estar por dentro das produções mais badaladas nacionais e internacionais. Mas, o sucesso da Award Season vale mesmo a pena ou seria somente um hype vazio?

Comumente, acontece das pessoas decidirem encarar uma maratona cheias de expectativas, mas se frustrar com o que encontram. Mas, este não é o caso! Pelo contrário! Com um elenco afiado, que joga entre si, um roteiro surpreendente e uma direção consciente, Treta engancha o público com suas reviravoltas e carisma dos intérpretes. Há uma progressão no seriado, que deixa a sessão mais prazerosa e que, por este motivo, entretém mais.

Iniciando a história com uma briga boba entre os protagonistas Amy e Danny (Ali Wong e Steven Yeun, respectivamente), é instigante observar como o caos vai, lentamente, se instalando na trama. A cada ação de Amy e Danny, o emaranhado de tretas se alastra e o público pode até pensar que a obra irá se perder, com tantas bifurcações dentro da narrativa. Mas, há uma condução do enredo que conecta todos os enlaces, fazendo com que a minissérie se torne redonda.

Seja pela morte de algumas personagens, pela resolução do ódio de Amy e Danny, da reconstrução ou perda de algumas amizades, em seu desfecho, Treta não tem pontas soltas. Isto é um fator surpreendente, pois são muitos acontecimentos grandes dentro da minissérie, que possuem vários sub-plots. Neste sentido, a direção contribui para a conexão de quem assiste com a enxurrada de ações colocadas na tela.

Dividida entre três artistas (Jake Schreier, Hikari e o próprio Lee Sung Jin), a decupagem de cada episódio ajuda na elaboração deste universo ficcional rico e cheio de informações, com planos fixos em momentos de tensão relacional e mais movimentos de câmera quando os conflitos se tornam físicos. Todavia, o uso de deslocamento não é conferido de uma forma solta. É possível entender quem está atacando e sendo atacado, quem correu, morreu, fugiu etc.

Assim, o fôlego da plateia pode oscilar junto com o das personagens, porque, para além da direção consciente, a montagem também é feita de maneira dinâmica, trazendo o foco para a personagem que é o centro da ação em cada sequência. Neste sentido, o ritmo é equilibrado, porque existe a noção de organização temporal. E o que seria isso?

Há na obra o entendimento do balanço de velocidades, de quando acelerar e diminuir o passo, para deixar o que importa em destaque, abrindo espaço para que a suspensão seja construída. Outro elemento que chama a atenção é a direção de arte, principalmente no que se refere ao cuidado com as temperaturas do figurino e da iluminação.

É notável, mas não óbvio a ponto de tirar a graça do suspense, o quanto uma figura ficcional está correndo risco ou é a dona do comando em cada cena pelas cores que ela traja e a luz que está ao redor dela. Um bom exemplo é a sequência na casa de Jordana (Maria Bello), na qual se tem uma luz vermelha forte após a entrada dos ladrões, mas os sobreviventes deste ataque são nítidos pelas paletas que estão usando.

No entanto, é necessário apontar que o antepenúltimo e o penúltimo episódios contam com alguns fillers. De certo modo, eles são relevantes para a construção de camadas dos protagonistas, porém eles se arrastam demais e deixam a sensação de prolongação do desfecho.As idas e vindas quebram a fruição da plateia.

Esta é mais uma questão de como eles foram realizados, do que sua própria existência, pois os flashbacks que revelam o passado de Danny e Amy acontecem no final da minissérie e interrompem momentos de pico dramático. Ainda assim, Treta é uma produção que apresenta coesão. Com uma premissa aparentemente boboca, relações humanas e problemas concretos da sociedade são discutidos, a partir de uma suposta briga simples de trânsito.

Nesta atmosfera, Ali e Steven entregam papéis que mostram os seus talentos. Seja no processo de criação de corpo ou de voz, os dois entendem o que a narrativa precisa de cada uma de suas personagens, tanto nas forças como em suas fragilidades. De certo, esta é uma obra que vale cada minuto de sua exibição.

A Netflix geralmente tem errado muito nas suas escolhas, mas quando ela acerta, convoca produtos como este, que divertem, mas que possuem qualidade técnica refinada e apurada. A maior qualidade aqui é generalizada, pois a produção revela uma equipe que entende o que tem nas mãos e consegue, assim, um bom resultado.

*Este material não reflete, necessariamente, a opinião do Aratu On

Quais são os limites da sanidade, da autocomiseração, do medo, dos conflitos internos que extrapolam para o externo, das inseguranças, que levam para caminhos sombrios? É possível prever ou parar ciclos viciosos de violência (quaisquer que seja ela)? Bebê Rena é uma minissérie da Netflix que, dentro de múltiplas camadas narrativas, trata sobre todas estas questões. É curioso observar a estratégia de roteiro, que engancha o espectador pela repulsa por Martha (Jessica Gunning), a típica stalker de filmes de suspense, que traz o fenótipo que a sociedade, doente por um padrão de beleza cruel, rejeita.
É inteligente segurar o público a partir desta perseguição de Martha com Donny – Richard Gadd, também criador do seriado, que é baseado em suas próprias experiências. Mas, a obra é mais do que isso, não é mesmo? Presos na dinâmica de tentar descobrir quem é mais vil, quem está errado, Donny ou Martha, quem alimenta o quê, quem seduz, quem ultrapassa mais as linhas tênues das relações sociais, a plateia recebe um soco no estômago, em formato de plot twist.
Sem dar spoilers, é possível dizer que a subversão da aparente premissa da produção, além de ser bem posicionada em relação à trama geral, provoca reflexões profundas, que fazem com que a história se torne cada vez mais interessante, à medida em que o enredo avança. Um dos pontos que pode rondar a mente DAS consumidoras é o fato de que o choque (maior) com o que acontece com Donny vem do fato dele ser homem.
A credibilidade do protagonista também parece vir desse lugar, no qual o rapaz possui, teoricamente, talento, migalhas de gestos generosos e certa coragem ao se expor para o mundo. Ao mesmo tempo, é necessário afirmar que a história não exime Donny de falhas – de caráter, principalmente. Ao humanizar a personagem principal, torna-se mais fácil de se estabelecer uma conexão com ele.
E todos estes elementos estão presentes na série através da tríade principal – no sentido de mais captável pela audiência geral –, sendo ela: atuação, escrita e direção. O elenco constrói com detalhes e organicidade as características daquelas personas. Apesar dos coadjuvantes ganharem menos desenvolvimento do que as figuras de Donny e Martha, é notável o esforço dos intérpretes para conferirem este tom profundo em suas construções de papel.
As pausas aqui desenham intenções textuais não verbais, fomentando a força das ações dramáticas dos indivíduos no ecrã. A composição da decupagem, com o trabalho da fotografia, amplia a sensação de angústia constante vivida por Donny, que se sente incapaz e frágil diante das intempéries que surgem em sua trajetória como comediante. As temperaturas terrosas, mescladas com vermelhos e azuis intensos, que surgem em momentos cruciais para a história, elevam a potencialidade das sensações.
Há algo de sinestésico e elétrico nas imagens colocadas na tela. Esta característica é progressiva e acaba criando uma imersão maior com o que é mostrado em cena. As emoções de Donny, e o seu olhar para o seu entorno ficam, impressos através das movimentações de câmera, do enquadramentos e das cores, que alertam, apaziguam ou tensionam o espectador. No entanto, pensando nesta veia cômica de Richard Gadd, falta um tanto de equilíbrio narrativo aqui.
O peso das violências que Donny vive e causa, bem como o sufocamento com a presença de Martha ou do agressor de Donny, ralentam a fruição. Respiros seriam precisos para criar uma equalização da obra. Ainda assim, Bebê Rena é uma escolha certeira para uma maratona. Com 07 episódios e uma construção de jornada do “herói” não convencional, o mergulho nas emoções humanas e no traquejo social, o absurdo que é viver em sociedade é mostrado
 Entre expor os privilegiados que abusam do poder versus rejeitados que lutam por alguma atenção, a minissérie vem como um engasgo, sendo ela: dolorosa, intensa e que deixa um incômodo mesmo depois que já passou.
*Este material não reflete, necessariamente, a opinião do Aratu On

Enoe Lopes Pontes

Todos os textos de Enoe Lopes Pontes

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