&Eacute; curioso observar como, desde o seu in&iacute;cio, "Duna: A profecia" convoca na tela elementos visuais em oposi&ccedil;&atilde;o &agrave; sua obra original. Se nos dois longas-metragens de Denis Villeneuve, o p&uacute;blico acompanha a quentura do planeta Arrakis e a jornada do her&oacute;i Paul Atreides, na s&eacute;rie, o ciano com preto e o ar de conspira&ccedil;&atilde;o entre madre superioras imprimem outro tom, e complexifica o imagin&aacute;rio do universo ficcional de Duna.
Aqui, s&atilde;o dez mil anos de Paul e h&aacute; muita diferen&ccedil;a imag&eacute;tica, principalmente nas cores dos cen&aacute;rios, figurinos, maquiagens e luzes. H&aacute; mais frieza, c&aacute;lculo de rota e menos urg&ecirc;ncia neste momento da hist&oacute;ria. &Eacute; como se o terreno ainda estivesse sendo preparado para que algumas fam&iacute;lias ganhassem mais poder, outras perdessem e a revolta dos Fremen ainda estivesse para eclodir mais intensamente. No entanto, a atmosfera deste mundo &ldquo;duniano&rdquo; permanece.&nbsp;
&Eacute;, de fato, impressionante, como h&aacute; uma identidade visual e narrativa vindas dos livros originais de Frank Herbet, mesclado ao que foi criado por Villeneuve, que se espalha pelo ecr&atilde; do seriado da HBO. Um dos elementos centrais para esta sensa&ccedil;&atilde;o &eacute; o cuidado em criar ambienta&ccedil;&otilde;es novas para espa&ccedil;os ainda n&atilde;o mostrados, mas com elementos j&aacute; conhecidos pela plateia, como &eacute; o caso da a ordem secreta Bene Gesserit e a inser&ccedil;&atilde;o de personagens das fam&iacute;lias Harkonnen e Atreides.
As simpatias e antipatias v&atilde;o se deslocando, &agrave; medida que a trama avan&ccedil;a, mas quem assiste sabe de onde come&ccedil;ar, pois compreende que h&aacute; uma rivalidade entre os Atreides e os Harkonnen. Mesmo que algu&eacute;m consuma apenas A Profecia, por exemplo, o pr&oacute;logo ambienta o p&uacute;blico, quando explica sobre as guerras com as m&aacute;quinas auxilia nesse entendimento. Neste sentido, a tens&atilde;o entre as fam&iacute;lias, juntamente com a briga pelo poder das casas, s&atilde;o os focos tamb&eacute;m neste enredo.
Desta maneira, o espectador continua torcendo e se irritando com uma trama semelhante, por&eacute;m protagonizada por outros nomes e contextos. &Eacute; a&iacute; que est&aacute; a chave para a maior conex&atilde;o com a constru&ccedil;&atilde;o de universo ficcional de Duna. Mas, a personalidade de A Profecia est&aacute; presente tamb&eacute;m. Este azulado e preto, que preenche a tela na maior parte das sequ&ecirc;ncias, &eacute; a pista de que os tempos s&atilde;o outros e a aten&ccedil;&atilde;o deve se voltar para as a&ccedil;&otilde;es das Bene Gesserit - afinal, esta &eacute; a paleta de cores delas.&nbsp;
Porque este &eacute; um universo no qual a intui&ccedil;&atilde;o e a intelig&ecirc;ncia emocional ser&atilde;o armas. Logo, as batalhas s&atilde;o mais verbais e os conflitos f&iacute;sicos entram como um &aacute;pice deste jogo de movimenta&ccedil;&otilde;es psicol&oacute;gicas entre as personagens. Assim, a c&acirc;mera brinca junto com as protagonistas, as irm&atilde;s Tula e Valya Harkonnen (Olivia Williams e Emily Watson, respectivamente). A dire&ccedil;&atilde;o dos epis&oacute;dios &eacute; inteligente ao comandar a decupagem a favor da dupla.&nbsp;
Seja pelo tempo de tela ou por serem as figuras que contam com planos mais fechados e est&aacute;ticos, h&aacute; uma centraliza&ccedil;&atilde;o da condu&ccedil;&atilde;o da narrativa pelo olhar e atos da irm&atilde;s Harkonnen. Paralelamente, a entrada de Desmond Hart (Travis Fimmel) simboliza a quebra - ou a tentativa de quebrar com - do poder das duas. Desmond &eacute; solar, &eacute; f&iacute;sico nas a&ccedil;&otilde;es e dialoga abertamente, sem jogos mentais.
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Gradativamente, Hart vai assumindo esse espa&ccedil;o na tela, dividindo ele com as Harkonnen. O conflito argumentativo, tanto no sentido extra-obra como na diegese, vai se ampliando. Assim, qual a diverg&ecirc;ncia o espectador deve abra&ccedil;ar? De classe ou de g&ecirc;nero? H&aacute; um limite para o &ldquo;girl power&rdquo; de Tula e Valya? Desmond &eacute; a ruptura do jogo de poder ou ele fomenta a desigualdade provocada pela sede de ser dono das especiarias?&nbsp;
Dentro do enredo, ao passo que a origem de Hart &eacute; desvendada, o ponto de partida da tens&atilde;o original de Duna: Parte I e Parte II parece regressar. O conflito das fam&iacute;lias principais da hist&oacute;ria n&atilde;o se perde e a consci&ecirc;ncia sobre o universo Duna &eacute; firmado, quando as caracter&iacute;sticas visuais e verbais das casas e dos planetas s&atilde;o mantidos. Contudo, A Profecia &eacute; instigante para quem n&atilde;o se importa com o mundo ficcional &ldquo;duniano&rdquo; em si. H&aacute; uma elabora&ccedil;&atilde;o de suspens&atilde;o, desde a revela&ccedil;&atilde;o das habilidades de Valya, passando pela vingan&ccedil;a das irm&atilde;s, pelo futuro das Bene Gesserit at&eacute; a quest&atilde;o do dom&iacute;nio do imperador.&nbsp;
A complexidade das personagens, na qual o manique&iacute;smo passa longe, funciona como catalisador da espectatorialidade cont&iacute;nua, empolgando o p&uacute;blico a maratonar a produ&ccedil;&atilde;o. Desta forma, Duna: A profecia &eacute; um t&iacute;tulo que individualmente e como parte de uma hist&oacute;ria funciona por apresentar uma t&eacute;cnica apurada e consciente. Nesta perspectiva, olhar para as rela&ccedil;&otilde;es entre as personagens e as suas bases dramat&uacute;rgicas &eacute; um exerc&iacute;cio interessante.
Isto porque &eacute; not&aacute;vel o cuidado em administrar no roteiro e na transforma&ccedil;&atilde;o dele em imagem as tens&otilde;es presentes neste universo de Duna.
*Este material n&atilde;o reflete, necessariamente, a opini&atilde;o do Aratu On

Investigar as complexidades humanas e da sociedade &eacute; um bom caminho para produzir um produto midi&aacute;tico que, pelo menos em sua premissa, ser&aacute; instigante para os consumidores. Assassino Zen se encaixa neste tipo de obra que conta com uma tem&aacute;tica, aparentemente, diferentona, que instiga o espectador a dar play. A s&eacute;rie alem&atilde; da Netflix se vale dessa ideia contrastante de um assassino que, se baseando em t&eacute;cnicas de mindfulness, torna-se um criminoso &ldquo;zen&rdquo;. Todavia, em termos t&eacute;cnicos, ela &eacute; uma produ&ccedil;&atilde;o que n&atilde;o alcan&ccedil;a um padr&atilde;o de alta qualidade.

Ainda que debater o fato de algo como o mindfulness, supostamente pensando para o bem estar das pessoas, pode ser mal utilizado, a depender de quem se vale dele, ser inteligente e proporcionador de dicotomias que elevam a potencialidade de uma trama, os epis&oacute;dios da produ&ccedil;&atilde;o s&atilde;o &oacute;bvios e n&atilde;o o seu lado interessante fica apenas nesta primeira camada. Todas as a&ccedil;&otilde;es do protagonista e seus coadjuvantes s&atilde;o f&aacute;ceis de prever, o que gera uma sensa&ccedil;&atilde;o de t&eacute;dio.&nbsp;

Al&eacute;m disso, assim como diversos seriados da Netflix, o enredo &eacute; somente pautado em gerar espa&ccedil;o para cliffhangers*. O objetivo deste tipo de estrat&eacute;gia &eacute; criar no p&uacute;blico o desejo de &nbsp;acompanhar a hist&oacute;ria. Mas, este recurso n&atilde;o funciona caso n&atilde;o venha junto com pouco ou nenhum desenvolvimento. O que acontece aqui &eacute; que, na tentativa de parecer que conta com um enredo eletrizante, a investiga&ccedil;&atilde;o sobre as motiva&ccedil;&otilde;es das personagens e o desenrolar dos acontecimentos provocados por elas n&atilde;o ganham espa&ccedil;o em Assassino Zen. E o mesmo pode ser dito pela sua tecnicidade.&nbsp;

A c&acirc;mera somente se interessa pelos cl&iacute;maxes. O restante do planejamento de enquadramentos, movimentos e efeitos de c&acirc;mera s&atilde;o protocolares e/ou repetitivos. Um exemplo &eacute; a din&acirc;mica de flashback entre Bj&ouml;rn Diemel (Tom Schilling) e seu guru. A ilumina&ccedil;&atilde;o, os movimentos de c&acirc;meras e os deslocamentos dos atores em cena seguem a mesma l&oacute;gica, durante todas as sequ&ecirc;ncias nas quais esta intera&ccedil;&atilde;o acontece. Por esta raz&atilde;o, a din&acirc;mica que, inicialmente, gera curiosidade, no sentido da observa&ccedil;&atilde;o das camadas de Bj&ouml;rn, v&atilde;o se tornando t&atilde;o somente uma reitera&ccedil;&atilde;o.&nbsp;

A obviedade transborda dentro da narrativa de tal maneira que at&eacute; mesmo os elementos sonoros n&atilde;o surpreendem e n&atilde;o causam tanta emo&ccedil;&atilde;o. Porque uma obra de a&ccedil;&atilde;o e crime precisa criar uma atmosfera que deixe quem a assiste intrigado e com tens&atilde;o sobre o que est&aacute; por vir na hist&oacute;ria. Contudo, cada explos&atilde;o, ru&iacute;do de pneu, de m&uacute;sica estilosa &ndash; que parece servir para mostrar que Bj&ouml;rn &eacute; descolado, agora que ele tamb&eacute;m comete ilegalidades &ndash;, n&atilde;o funcionam, pois seguem uma esp&eacute;cie de cartilha sonora (e visual tamb&eacute;m).

Assim, o que salva a espectatorialidade do t&eacute;dio &eacute; o ar carism&aacute;tico que Tom Schilling e seu companheiro de cena, Murathan Muslu (Sacha), carregam. A intera&ccedil;&atilde;o entre eles &eacute; bem constru&iacute;da, por ser trabalhada mais nos sil&ecirc;ncios, olhares e gestos do que no textual verbal e expositivo do restante das rela&ccedil;&otilde;es da produ&ccedil;&atilde;o. Desta forma, acompanhar como o relacionamento de amizade e trabalho da dupla vai crescendo e se transformando em lealdade &eacute; o &uacute;nico ponto que realmente funciona. Ali, existe uma d&uacute;vida inicial se Sascha e Bj&ouml;rn ir&atilde;o se unir na criminalidade e at&eacute; onde a parceria pode ir, que instiga quem assiste ao seriado.

O fato de Sascha ser um bandido &ldquo;am&aacute;vel&rdquo; tamb&eacute;m confere uma camada maior de complexidade ao rapaz. Com ambos em cena, os fen&oacute;tipos versus as atitudes e sentimentos que est&atilde;o guardados em cada um, cria este questionamento sobre como as apar&ecirc;ncias podem enganar (ou n&atilde;o). Bj&ouml;rn &eacute; um advogado, pai de fam&iacute;lia, de estatura baixa, magricela, que realizava, at&eacute; a virada dentro da sua trajet&oacute;ria, &ldquo;apenas&rdquo; a defesa de gangsters. Sascha &eacute; alto, forte, barbudo, de longa estrada na parte f&iacute;sica do crime e tamb&eacute;m um grande pai. No entanto, a periculosidade deles &eacute; alta, seja no embate f&iacute;sico, com Sascha, ou mental, com Bj&ouml;rn.

Por isso, observar a ironia da uni&atilde;o deles &eacute; um ponto alto da obra. De toda maneira, Assassino Zen pode ser uma experi&ecirc;ncia relevante para quem se interessa pelo Universo do debate sobre gurus, medita&ccedil;&atilde;o e t&eacute;cnica de mindfulness. Para o restante, que n&atilde;o se importa tanto com esta tem&aacute;tica, a s&eacute;rie pode ser enfadonha.&nbsp;

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*Cliffhanger = situa&ccedil;&atilde;o extrema que acontece em uma narrativa serializada para criar uma curiosidade no espectador, fazendo com que o mesmo continue a acompanhar um seriado.&nbsp;

*Este material n&atilde;o reflete, necessariamente, a opini&atilde;o do Aratu On

Ainda estou aqui é um poderoso exercício de direção. Este é um trabalho que se vale do passado como instrumento de preservação da memória de um dos momentos políticos mais sombrios do Brasil, a Ditadura Militar. No caso desta nova obra do cineasta Walter Salles (Central do Brasil), o público se depara com a família do escritor Marcelo Rubens Paiva, quando o autor ainda era criança – o longa-metragem é uma adaptação da obra homônima de Paiva –, quando seus pais são levados para depor pelos militares, porém seu pai, Rubens Paiva (Selton Mello), jamais retorna.
Neste cenário, encontramos padrões canônicos de produções audiovisuais sobre este período. O encontro das temperaturas esverdeadas – que remetem a limo, sujeira, tortura, ausência, melancolia etc. – com o amarelo, marrom e o vermelho terroso – que são usados nos momentos solares, mas também para evocar tensão, assombramento e/ou aterramento – é um deles. A sobriedade das interpretações, que funcionam em uma progressão contida, com pequenas ou maiores explosões emocionais – vindas dos momentos de prisão, tortura e/ou injustiça – também.
Se esta é uma produção que segue um padrão visual e discursivo, o que há então de tão especial em Ainda estou aqui? O que há nela para além de sua linguagem visual e escolha de construção argumentativa, que dá um check em pontos que agradam a crítica e a os festivais gringos – justamente por se manter neste visual sóbrio, para contar uma história forte, algo que funciona muito em narrativas do e para o Norte globlal. O que salta os olhos aqui – ou melhor, que atinge o coração – é a figura de Eunice Paiva (Fernanda Torres). O Brasil de 2024 (ou parte dele), que se recupera ainda do Golpe de 2016, compreende e se apega à Eunice, de alguma maneira.
Ainda que a sua dor seja inenarrável e somente quem viveu algo semelhante consiga saber, infelizmente, o que ela sentiu, o seu desejo de proteger a sua família e o seu choque com os atos impunes dos milicos avassalam a alma de quem acompanha a sessão de Ainda estou aqui. A construção da trama, o clímax e o início de seu desenlace garantem a qualidade alta do longa-metragem.
Primeiramente, o espectador entra na vida íntima da família Paiva. Novamente, o uso dos tons abertos colabora para que a impressão de dia de verão se alongue e preencha a plateia com a impressão de que ali existe um grupo feliz, coeso e unido. Ao mesmo tempo, a câmera de Salles se movimenta “feliz” e mais leve até a metade da projeção, antes dos atos trágicos se iniciarem.
https://youtu.be/PYnMAObH8NY
Planos mais abertos, que contam com os filhos de Eunice brincando na praia, de Rubens e Eunice jogando gamão ou das festas da família, cheias de amigos, reforçam a ambientação de harmonia e mergulham a espectatorialidade neste universo ficcional, da zona do Rio de Janeiro, da década de 1979. Assim, em travellings e panorâmicas, o espectador é invadido por essa dinâmica de classe média alta, intelectualizada, brasileira e alegre. Salles ainda insere imagens da filmadora Kodak antiga, da personagem Heloísa, filha de Eunice.
No entanto, é importante ressaltar que a instalação de tensão e tom trágico - no sentido dramatúrgico - não é repentino. As tensões são postas gradativamente e, apesar do clima ameno da casa dos Paiva existir, a presença dos militares, seus esquemas e truculências aparecem desde o começo do longa, bem como a noção das personagens do que está acontecendo em solos brasileiros. Há, neste sentido, um cuidado da equipe, incluindo da direção, em imprimir o olhar da protagonista diante da sua realidade e a do país.
Esta dicotomia entre o mundo dos Paiva e o dos anos de chumbo fomenta a complexidade da trama. Por isso, mesmo que Ainda estou aqui conte com recursos visuais e discursivos bastante esperados, por seu tema, elenco e direção envolvidos, e seu próprio espaço ocupado dentro do mercado cinematográfico, existe uma sensibilidade para com a família Paiva, um cuidado com a manutenção da consciência política e da história do país e um conhecimento técnico de dramaturgia e audiovisual, que tornam o resultado geral positivo.
A própria noção de Fernanda Torres de concepção de papel trágico quase grego, no qual a heroína se esgarça e perde sua serenidade gradativamente, enquanto busca justiça está aqui. É uma obra feita por conhecedores de seus ofícios, que através do entendimento e estudo de tecnicidades artísticas, procuram ativar o emocional de quem acompanha a caminhada de Eunice. Sim, mas também há um pequeno escape de intencionalidades, que afeta um tanto de toda essa qualidade dos aspectos formais.
O enredo conta com três desfechos da história. Os 25 anos depois de quando Eunice e sua família saem do Rio de Janeiro, 2014 e uma cartela final, que informa dados sobre a vida e morte da protagonista. Por esta razão, a força do encerramento da trajetória da figura central se esvai. Dificilmente, Walter cortaria uma sequência gravada com Fernanda Montenegro atuando, porém não há nas cenas dos Paiva em 2014 nada a não ser reiteração do que já foi contado e a perda da coesão da estética visual, elaborada durante toda a exibição.
São detalhes que incomodam, mas o importante é a continuidade de um cinema que expõe o passado de um país que insiste em esquecer de seus próprios erros e crimes. É também um material que dialoga com o mundo e que coloca o Brasil no páreo de premiações, por conta de seu valor de produção e consciência de mercado. Não é um filmaço, porém um bom filme.
*Este material não reflete, necessariamente, a opinião do Aratu On.

Primeira novela brasileira da Netflix, Pedaço de Mim, é uma aula de roteiro, atuação e direção dentro deste formato. É comum, principalmente, dentro de análises da crítica tradicional, ler que uma produção audiovisual mal feita é “televisiva” ou que “parece novela”. Mas, alto lá!!! A TV é um espaço de criação de linguagem como qualquer outro produto midiático. É dentro desta lógica que as obras devem ser avaliadas. Pensando nisso, nesta dinâmica de comparar produções apenas entre si, é que é possível dizer que a criadora deste folhetim, Angela Chaves, brilhou em seu trabalho.

Isto porque a autora reuniu diversas premissas que são encontradas por noveleiros em múltiplas tramas da teledramaturgia nacional e mundial: perda de memória, conflito com paternidade, segredos que apenas serão revelados nos últimos capítulos, acidentes, gêmeos, crimes, entre outros. É uma miscelânia tão grande de peripécias, que o resultado poderia ser vergonhoso. No entanto, Chaves cria uma história coesa, na qual cada acontecimento conecta e impulsiona o próximo.

De certo, existem alguns exageros, como é o caso da amnésia de Marcos, filho da protagonista. Contudo, o trabalho da direção e do elenco suavizam muito das intensidades do enredo. A começar pelas seleções de enquadramento. É uma marca clássica das telenovelas o uso do close para reforçar as emoções das personagens, impactando de maneira intensa – porém, óbvia – o espectador. No entanto, aqui, os encaminhamentos narrativos cheios de quiprocó são suavizados com planos mais gerais, movimentos suaves de e até mesmo alguns efeitos de câmera também.

A fotografia e a equipe de arte conversam entre si, ampliando os sentidos dos diálogos. As temperaturas de dentro da casa do Rio de Janeiro de Liana e Tomaz Rosenthal são azuladas, porque ali é, majoritariamente, um lugar seguro para a família dos Rosenthal. Diferentemente do lar da capital, na serra, os tons ficam entre marrom e laranja, sempre indo de aterramento – quando Tomaz não está – ao perigo e tensão, quando o rapaz se encontra. O azul e o terroso se encontram com o vermelho e preenchem os figurinos, representando, principalmente, as personas masculinas que rondam Liana.

Assim, a camisa do time de futebol dos garotos Marcos e Mateus possuem azul e vermelho, que podem ser lidas como as presenças de Tomaz e Oscar na vida dos meninos. Já em termos de iluminação, os sombreamentos e as luzes chapadas também entregam respostas para o público atento. Oscar representa perigo iminente e Liana é a mocinha quase indefesa. Por isso, eles contam com menos sombras que Tomaz, por exemplo, que está sempre transitando entre bem e mal, até tomar sua decisão certeira (sem spoilers tão grandes por aqui!).

São nesses detalhes que a produção se engrandece e consegue equalizar seus tons melodramáticos. Para completar essa afinação, o elenco principal segura bastante os diálogos que beiram ao absurdo – mas, divertem ou criam as sensações necessárias (vamos chegar lá) –, como gravidez heteroparental, que talvez soasse falso na voz de outros intérpretes. Neste sentido, existem três artistas que se destacam: Paloma Duarte, Juliana Paes e Vladimir Brichta. O trio cria camadas em seus papéis, que vêm da composição de movimentos, contenções musculares, olhares e trabalho de voz.

Qualquer uma destas figuras poderiam ter ficado quase planas, caso não houvesse o cuidado de Paloma, Juliana e Vladimir em convocar expressões faciais e vocais que aprimorassem as dualidades de suas personagens. Mas, talvez, se o leitor resistiu e chegou até esta parte da crítica, esteja se perguntando sobre as questões sociais da novela. Por exemplo, como Liana pode ter sido tão questionada de sua palavra, quando estava nítido que ela foi abusada. Para além do fato de que a versão da mulher ser dúvida ainda em 2024, a história começa inteligentemente em 2006.

A consciência temporal de Angela Chaves é crucial para o desenvolvimento do conflito central. As transformações das discussões dentro da sociedade nos últimos 18 anos modificaram vidas e esse é um importante recado que a obra traz. Não que precisasse, mas está tudo ali, colocado no roteiro da novela, que mistura de maneira cuidadosa o olhar da tecnicidade com o do discurso. Contudo, se, ainda assim, a plateia não tiver se convencido da qualidade do resultado geral de Pedaço de mim, basta pensar no que ela causa sensorialmente.

A produção faz com que quem assiste se sinta mobilizado, grite com a televisão, lembre-se como era ver TV antes do streaming, inclusive. (E, aqui, retornamos para os diálogos). As falas, suavizadas pelo elenco, são tipicamente melodramática e jogam com culpa, mistério e absolvição. O melodrama clássico precisa da jovem injustiçada, que silencia a verdade em nome do bem maior. Está na história da ficção esta fórmula, seja em livros, filmes, na TV etc. E funciona, porque move quem assiste, cria empatia e descontentamento.

Ao mesmo tempo, cria um gancho de espera, que faz com que o consumidor permaneça conectado com aquela produção, até o seu final, mesmo que não goste. Assim, Pedaço de mim cumpre todos os requisitos para um folhetim de sucesso: elenco famoso, história mirabolante, mocinha, vilões, coadjuvantes irritantes etc. Mas, tudo isso com roupagem contemporânea, com discussões atuais e urgentes. É por esta razão que Pedaço de mim é bem sucedida e tão vista mundialmente. Ela é o melhor dos mundos, são os anos 1980/1990 encontrando 2024!

*Este material não reflete, necessariamente, a opinião do Aratu On

Criada por Lee Sung Jin (Girlboss), Treta é um hit das premiações estadunidenses, vencendo diversos troféus em eventos como Critic 's Choice Awards, Emmy e Globo de Ouro. O reconhecimento através dos prêmios pode gerar uma curiosidade no público, que gosta de estar por dentro das produções mais badaladas nacionais e internacionais. Mas, o sucesso da Award Season vale mesmo a pena ou seria somente um hype vazio?

Comumente, acontece das pessoas decidirem encarar uma maratona cheias de expectativas, mas se frustrar com o que encontram. Mas, este não é o caso! Pelo contrário! Com um elenco afiado, que joga entre si, um roteiro surpreendente e uma direção consciente, Treta engancha o público com suas reviravoltas e carisma dos intérpretes. Há uma progressão no seriado, que deixa a sessão mais prazerosa e que, por este motivo, entretém mais.

Iniciando a história com uma briga boba entre os protagonistas Amy e Danny (Ali Wong e Steven Yeun, respectivamente), é instigante observar como o caos vai, lentamente, se instalando na trama. A cada ação de Amy e Danny, o emaranhado de tretas se alastra e o público pode até pensar que a obra irá se perder, com tantas bifurcações dentro da narrativa. Mas, há uma condução do enredo que conecta todos os enlaces, fazendo com que a minissérie se torne redonda.

Seja pela morte de algumas personagens, pela resolução do ódio de Amy e Danny, da reconstrução ou perda de algumas amizades, em seu desfecho, Treta não tem pontas soltas. Isto é um fator surpreendente, pois são muitos acontecimentos grandes dentro da minissérie, que possuem vários sub-plots. Neste sentido, a direção contribui para a conexão de quem assiste com a enxurrada de ações colocadas na tela.

Dividida entre três artistas (Jake Schreier, Hikari e o próprio Lee Sung Jin), a decupagem de cada episódio ajuda na elaboração deste universo ficcional rico e cheio de informações, com planos fixos em momentos de tensão relacional e mais movimentos de câmera quando os conflitos se tornam físicos. Todavia, o uso de deslocamento não é conferido de uma forma solta. É possível entender quem está atacando e sendo atacado, quem correu, morreu, fugiu etc.

Assim, o fôlego da plateia pode oscilar junto com o das personagens, porque, para além da direção consciente, a montagem também é feita de maneira dinâmica, trazendo o foco para a personagem que é o centro da ação em cada sequência. Neste sentido, o ritmo é equilibrado, porque existe a noção de organização temporal. E o que seria isso?

Há na obra o entendimento do balanço de velocidades, de quando acelerar e diminuir o passo, para deixar o que importa em destaque, abrindo espaço para que a suspensão seja construída. Outro elemento que chama a atenção é a direção de arte, principalmente no que se refere ao cuidado com as temperaturas do figurino e da iluminação.

É notável, mas não óbvio a ponto de tirar a graça do suspense, o quanto uma figura ficcional está correndo risco ou é a dona do comando em cada cena pelas cores que ela traja e a luz que está ao redor dela. Um bom exemplo é a sequência na casa de Jordana (Maria Bello), na qual se tem uma luz vermelha forte após a entrada dos ladrões, mas os sobreviventes deste ataque são nítidos pelas paletas que estão usando.

No entanto, é necessário apontar que o antepenúltimo e o penúltimo episódios contam com alguns fillers. De certo modo, eles são relevantes para a construção de camadas dos protagonistas, porém eles se arrastam demais e deixam a sensação de prolongação do desfecho.As idas e vindas quebram a fruição da plateia.

Esta é mais uma questão de como eles foram realizados, do que sua própria existência, pois os flashbacks que revelam o passado de Danny e Amy acontecem no final da minissérie e interrompem momentos de pico dramático. Ainda assim, Treta é uma produção que apresenta coesão. Com uma premissa aparentemente boboca, relações humanas e problemas concretos da sociedade são discutidos, a partir de uma suposta briga simples de trânsito.

Nesta atmosfera, Ali e Steven entregam papéis que mostram os seus talentos. Seja no processo de criação de corpo ou de voz, os dois entendem o que a narrativa precisa de cada uma de suas personagens, tanto nas forças como em suas fragilidades. De certo, esta é uma obra que vale cada minuto de sua exibição.

A Netflix geralmente tem errado muito nas suas escolhas, mas quando ela acerta, convoca produtos como este, que divertem, mas que possuem qualidade técnica refinada e apurada. A maior qualidade aqui é generalizada, pois a produção revela uma equipe que entende o que tem nas mãos e consegue, assim, um bom resultado.

*Este material não reflete, necessariamente, a opinião do Aratu On

Entre filmes, s&eacute;ries e miniss&eacute;ries, spin-offs, crossovers e muitas fases do MCU (Universo Cinematogr&aacute;fico Marvel), a Disney e todas as suas outras empresas adquiridas &ndash; incluindo a pr&oacute;pria Marvel &ndash; sufoca o seu p&uacute;blico de produ&ccedil;&otilde;es. Nesta l&oacute;gica, nem toda obra do MCU &eacute; bem sucedida, muito menos necess&aacute;ria. &nbsp;Ainda assim, certas hist&oacute;rias, mesmo que com suas imperfei&ccedil;&otilde;es e trope&ccedil;os, merecem ser acompanhadas. Este &eacute; o caso de Agatha Desde Sempre.
Spin-off de um spin-off, a obra ganha o espectador, principalmente, pelo carisma da protagonista Agatha Harkness (Kathryn Hahn) e as suas companheiras de &lsquo;Witches Road&rsquo;: as bruxas Lilia (Patti LuPone), Alice (Ali Ahn), Jennifer (Sasheer Zamata), Mrs. Hart (Debra Jo Rupp) e o adolescente agregado (Joe Locke). A uni&atilde;o for&ccedil;ada entre elas e os desvios de car&aacute;ter de Agatha elevam a complexidade das rela&ccedil;&otilde;es e das pr&oacute;prias rea&ccedil;&otilde;es de personagens.
Neste sentido, a atua&ccedil;&atilde;o de Hahn continua chamando aten&ccedil;&atilde;o, tal como na s&eacute;rie Wandavision. Inclusive, este papel lhe rendeu uma indica&ccedil;&atilde;o ao Globo de Ouro, em 2025. Ainda que ela n&atilde;o consiga apresentar a mesma qualidade de quando apresentou Agatha pela primeira vez, ela mant&eacute;m a habilidade de equilibrar os tons sombrios e c&ocirc;micos, em sua voz e corpo, muitas vezes em uma mesma frase, garantindo um bom resultado.&nbsp;
A &uacute;nica quest&atilde;o que desagrada &eacute; que parece faltar uma motiva&ccedil;&atilde;o interna maior para seu papel. Mesmo que diversos elementos da trama precisem ser escondidos do p&uacute;blico, &eacute; necess&aacute;rio que exista uma liga condutora das a&ccedil;&otilde;es Assim, &eacute; preciso que esta fique n&iacute;tida e coesa desde o princ&iacute;pio. Algo que destaca este &eacute; ponto &eacute; o fato da personagem do adolescente cont&eacute;m essa caracter&iacute;stica e ele soa muito mais como principal do que Agatha.&nbsp;
Nem mesmo o garoto sabe porque ele faz certas a&ccedil;&otilde;es, por&eacute;m ele tem um objetivo e uma jornada para cumprir, de forma que h&aacute; possibilidade da plateia torcer por ele. &Eacute; not&aacute;vel, por&eacute;m, que Locke n&atilde;o entrega o seu melhor trabalho aqui, pois o jovem ator demonstra inseguran&ccedil;a no olhar e nos movimentos, o que fica bem mais n&iacute;tido por ele estar cercado de int&eacute;rpretes experientes e talentosas. No entanto, no roteiro, o Adolescente foi escrito de tal maneira que a sua trajet&oacute;ria amarra as das coadjuvante e at&eacute; mesmo de Agatha.&nbsp;
Por esta raz&atilde;o, os epis&oacute;dios ficam cansativos, a partir do 1x06. Isto porque &eacute; t&atilde;o incerto o que est&aacute; ocorrendo na hist&oacute;ria que quem assiste pode ficar perdido pensando se torce para que o grupo chegue ao final da caminhada das bruxas, se &eacute; o que Agatha quer, se aquilo tudo &eacute; real. Obviamente, todos estes elementos poderiam empolgar ainda mais o espectador, por&eacute;m &eacute; a condu&ccedil;&atilde;o destas perip&eacute;cias que n&atilde;o funcionam, por esse afrouxamento da escrita sobre Agatha.
Todavia, Agatha Desde Sempre n&atilde;o &eacute; uma produ&ccedil;&atilde;o ruim. Ela &eacute; cansativa e n&atilde;o &eacute; perfeita, mas ela garante um entretenimento em alguns de seus aspectos. Al&eacute;m de ver as boas atua&ccedil;&otilde;es das bruxas, a equipe de arte tem um trabalho consistente. Assim como em Wandavision, h&aacute; em Agatha cen&aacute;rios que retratam mundos e tempos diversos. A utiliza&ccedil;&atilde;o das temperaturas, formatos dos objetos de cena e figurinos para fomentar a constru&ccedil;&atilde;o de personalidade das personagens e de seus conflitos &eacute; o ponto alto do seriado.&nbsp;
Al&eacute;m disso, a Arte insere uma din&acirc;mica inteligente ao explorar a figura de Rio Vidal (Aubrey Plaza) e do Adolescente em cada cen&aacute;rio de cada epis&oacute;dio. Ainda que as instala&ccedil;&otilde;es do caminho das bruxas sejam mais caracter&iacute;sticas de cada bruxa em voga, as pistas sobre a identidade de Rio e do Adolescente s&atilde;o deixadas visualmente para a plateia. &Eacute; frut&iacute;fero esse jogo do que a vida, a morte e o espa&ccedil;o entre as duas.&nbsp;
Por isso, a imers&atilde;o &eacute; t&atilde;o profunda e a conex&atilde;o acaba sendo estabelecida. Cada sof&aacute;, tabuleiro de Ouija, sapatos, gavetas etc. fazem parte desse quebra-cabe&ccedil;a e se n&atilde;o fossem bem elaborados perderiam a maior parte do estabelecimento de atmosfera, dos riscos corridos pelas personagens e quem est&aacute; ou n&atilde;o criando la&ccedil;os afetivos entre si. Outro ponto que, curiosamente, amarra o p&uacute;blico ao programa &eacute; a m&uacute;sica tema da s&eacute;rie.&nbsp;
Sim, The Ballad of the Witches vai al&eacute;m de ser uma can&ccedil;&atilde;o grudenta &ndash; ela &eacute;, mas &eacute; mais do que isso. Impregnando a narrativa de significados plurais, a balada das bruxas &eacute; uma sina, uma senten&ccedil;a (sem escapat&oacute;ria para a maioria das personagens). Ela &eacute; passado e presente de Agatha e vai preenchendo os epis&oacute;dios com mais descobertas e segredos revelados. A m&uacute;sica cria uma hist&oacute;ria paralela, de emo&ccedil;&otilde;es que florescem na tela.&nbsp;
No in&iacute;cio, emociona e faz o espectador torcer pelas bruxas, no final, ela deixa o mesmo vazio que deixa em Agatha, porque recapitula tudo que ocorreu &ndash; ou pelo menos, d&aacute; esta sensa&ccedil;&atilde;o. Desta maneira, Agatha desde sempre entrega um bom elenco, uma visualidade bem tratada e uma consci&ecirc;ncia de constru&ccedil;&atilde;o de universo ficcional. Ainda que a sua dire&ccedil;&atilde;o n&atilde;o seja coesa e n&atilde;o consiga juntar os peda&ccedil;os da trama com a cria&ccedil;&atilde;o de enquadramentos, movimentos e efeitos de c&acirc;mera, a arte cumpre esse papel e n&atilde;o deixa o p&uacute;blico emergir e sair do contexto da hist&oacute;ria.&nbsp;
Faltam muitas caracter&iacute;sticas para esta ser uma s&eacute;rie maravilhosa, mas tamb&eacute;m falta um abismo para que seja ruim. N&atilde;o deixa de ser instigante para quem ama o audiovisual, por apresentar visualidades ricas. Tamb&eacute;m &eacute; uma boa pedida para s&aacute;ficas que gostam de torcer por casais intensos. Por fim, obcecados pelo MCU ou pelo mundo dos Maximoff n&atilde;o podem deixar de conferir a produ&ccedil;&atilde;o, porque ela traz a chance de vivenciar o misticismo brux&ocirc;nico, dentro do universo de super-her&oacute;is. Para quem s&oacute; quer ver mais um seriado de a&ccedil;&atilde;o, talvez n&atilde;o fa&ccedil;a sentido gastar o tempo com algo t&atilde;o espec&iacute;fico e referenciado.&nbsp;
Veja trailer:
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Este material n&atilde;o reflete, necessariamente, a opini&atilde;o do Aratu On
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